| 中文摘要 | 第3-5页 |
| abstract | 第5-7页 |
| 前言 | 第11-13页 |
| （一） 选题缘起 | 第11页 |
| （二） 研究意义 | 第11-12页 |
| （三） 研究方法 | 第12页 |
| （四） 国内外研究概况和发展趋势 | 第12-13页 |
| 一、怎样学习一个歌剧中的角色 | 第13-25页 |
| （一） 读书——了解历史、作曲家、剧本 | 第13-16页 |
| 1． 创作的历史与背景 | 第13-14页 |
| 2． 作曲家的音乐创作风格 | 第14-15页 |
| 3． 剧本故事 | 第15-16页 |
| （二） 读谱——学习歌剧总谱 | 第16-20页 |
| 1． 梳理音乐脉络 | 第16-18页 |
| 2． 读人物与场景 | 第18-20页 |
| （三） 读经典——学习优秀的演出范例 | 第20-22页 |
| 1． 1996 年里昂国家歌剧院由乔治乌和阿兰尼亚主演 | 第20页 |
| 2． 2005 年维也纳国家歌剧院由安娜和维拉宗主演 | 第20-21页 |
| 3． 2015 年国家大剧院由冈贝罗尼和梅里主演 | 第21-22页 |
| （四） 读舞台——舞台实践与排练 | 第22-25页 |
| 1． 从“琴房”到“舞台” | 第22页 |
| 2． 走进剧本亲历情感发展 | 第22-25页 |
| 二、如何学习咏叹调 | 第25-41页 |
| （一） 音乐分析 | 第25-27页 |
| （二） 学唱过程 | 第27-36页 |
| 1． 对旋律逐句的识谱记忆和练唱过程 | 第27-34页 |
| 2． 咏叹调中重点、难点乐句的突破 | 第34-36页 |
| （三） 歌唱技术的运用 | 第36-39页 |
| （四） 咏叹调中的语言 | 第39-41页 |
| 1． 元音的安放 | 第39页 |
| 2． 元音连贯和统一 | 第39-40页 |
| 3． 辅音的重要性 | 第40-41页 |
| 三、宣叙调的歌唱价值与训练意义 | 第41-47页 |
| （一） 语感 | 第41-42页 |
| （二） 节奏、节拍中的语言 | 第42-44页 |
| （三） 带有音准的“说白” | 第44-45页 |
| （四） 变化的和声色彩 | 第45-47页 |
| 四、怎样塑造歌剧中的人物角色 | 第47-55页 |
| （一） 角色定位与审美 | 第47-52页 |
| 1． 歌唱中的人物 | 第47-50页 |
| 2． 故事情节中的人物 | 第50-52页 |
| （二） 人物形象的“内化”与“外化” | 第52-53页 |
| （三）“自我”与“他我”的融合与突破 | 第53-55页 |
| 五、歌剧表演中的“瓶颈” | 第55-57页 |
| （一） 什么是歌唱者的“音乐修养” | 第55-56页 |
| （二） 歌唱者表现力的“可塑性”与“局限性” | 第56-57页 |
| 六、歌唱技术的再思考 | 第57-62页 |
| （一） 什么是歌唱技术 | 第57-59页 |
| 1． 发声技术 | 第57-58页 |
| 2． 用声技术 | 第58页 |
| 3． 歌唱技术 | 第58-59页 |
| （二） 呼吸的三种认识 | 第59页 |
| （三）“音量”在演唱中的真正意义 | 第59-60页 |
| （四） 语言的技术与艺术 | 第60-62页 |
| 1． 歌唱语言运用的技术 | 第60-61页 |
| 2． 歌唱语言运用的艺术 | 第61-62页 |
| 结语 | 第62-63页 |
| 参考文献 | 第63-64页 |
| 附录 | 第64-69页 |
| 致谢 | 第69-70页 |
| 攻读学位期间发表的学术论文目录 | 第70页 |